Что означает музыкальная живопись

Урок музыки в 5-м классе «Живописная музыка и музыкальная живопись»

Разделы: Музыка

Ход урока

Тему урока вы сегодня узнаете не со всем обычным способом. Для того чтобы узнать слово вам необходимо набрать указанный номер.
Перед вами часть темы, которая вам должна быть понятна – живописная музыка.

— А что значит живописная музыка? (примеры с прошлого урока)

Живописной музыкой обычно называют такую, которая настолько ярко и убедительно передаёт впечатления композитора от картин природы, что мы начинаем, словно бы видеть эти картины.

Итак, тема нашего урока – «Музыкальная живопись и живописная музыка».

— Как вы думаете, что такое музыкальная живопись?

Музыкальной живописью называют живопись, наполненную столь поэтическим чувством, что его трудно передать словами, можно только такой же поэтической мелодией.

(если дети затрудняются ответить на эти вопросы, то можно предложить найти ответ в конце урока).

Сегодня на уроке мы познакомимся с произведениями, рисующими образ. А вот какой вы определите после прослушивания небольшого текста.

«Могучее. Велико, беспредельно. Безмерно. Целое небо обнимает тебя, а ты, полно величия, дышишь тихо и спокойно, ибо знаешь, что нет конца твоей мощи… Ночью смотрит на тебя полмира, далёкие солнца погружают в твои глубины свой мерцающий, таинственный, сонный взгляд…»

Эти строки принадлежат литовскому композитору и художнику Микалоюсу Чюрлёнису.

Размышляя о творчестве М.Чюрлёниса мы будем использовать следующие термины: триптих, цветовая гамма, звуковая палитра, соната.

М.Чюрленис прожил короткую жизнь, 35 лет. В своем творчестве он стремился воплотить идею синтеза искусств. Живописные полотна Чюрлениса относятся к направлению Символизм. Это направление в искусстве начала 20 века, для которого характерны недосказанность, намеки, таинственность, загадочность. Что такое символ?

Это знак, который содержит скрытый смысл. Примеры символов: весы – символ правосудия, крест – символ христианства, змея и чаша – медицина. Мы сегодня встретимся с его картинам, в которых он хотел выразить музыку, а красками стремился передать музыкальные звуки. Многие свои картины он строил по законам музыкальной гармонии. Так он их и назвал соната, фуга… Посмотрите картины Чюрлёниса. Что вы видите? Пред вами Триптих М.Чюрлёниса «Соната моря». Давайте попробуем раскрыть духовное содержание этих картин.

1. Здесь мы видим побережье с высоты птичьего полёта. Видна мелкая сеть волн, берег, дальние холмы. Плавно вздымающиеся и опускающиеся волны с белой чайкой на фоне. Закройте глаза – и представьте себя совсем маленьким, величиной с ваши ладошки. Посадите себя – маленького на ладонь. А теперь поднесите себя крошку к первой картине и войдите в неё. Вдохните запах солёной воды, потрогайте волны, послушайте их лёгкий звон. Как вы себя чувствуете в этой картине? Могли бы вы зайти вглубь этой спокойной воды? Но пока остановимся и выйдем на сушу…

2. Вторая – глазами человека, который зашёл по колено в воду. Здесь тишина. Светлая печаль, воспоминания о чём то прекрасном, но ушедшем, потонувшем в глубине морских вод. Печаль эта светится двумя огоньками. А теперь посмотрим вниз, на затонувший город. Рука с корабликом…Рука поддерживает, оберегает, вселяет доверие и покой. Осторожно выплывем, покинем картину…

3. Третья картина для самых смелых. Да, это море, но оно не плещется, а обрушивает силу волны которая может уничтожить эти четыре пляшущих кораблика. А может быть они спасутся и на новой такой же волне вновь продолжат свой веселый танец…Не входите слишком глубоко. Встаньте перед огромными волнами, послушайте штормовой гул, ощутите холодные брызги… А теперь вернитесь.

Немного отойдём назад – и ещё раз вглядимся.

— Что же хотел сказать художник в своем триптихе «Соната моря»? Каково её духовное содержание? (О жизни человека, о трудностях, с которыми сталкивается человек).

Художник поднимает важный вопрос: как спастись в этой жизни, которую символизирует море? Художник задает вопрос: а не поглотит ли меня пучина жизни? Это наглядно видно в финале картины: Инициалы Чюрлениса среди морских волн.

Вас, наверное, удивляет, почему море нарисовано жёлтым? На этот вопрос литовцы вам ответили бы так: «Знаете, балтийское побережье – это янтарное побережье, это от янтаря».

(можно показать янтарь)

Может быть, к ответу на наш вопрос приблизит музыка Чюрлениса, его симфоническая поэма «Море». Композитор описывает море очень поэтично.

Чюрлёнис всю жизнь любил море. С темой моря связаны не только его полотна, но и музыка.

— Сейчас мы её послушаем. Ваша задача расположить эти картины по порядку так, чтобы они подходили к характеру музыки.

— Объясните, почему вы разложили рисунки в таком порядке.

Вот один из примеров живописности симфонической поэмы «Море» и поэтичности живописных полотен «Сонаты моря».

Ребята, есть ли среди вас, мечтающих стать моряком? А вот люди, живущие на море, всегда мечтают стать моряками. И даже девочки. Хотя говорят, что женщинам на корабле не место. О такой мечте одной из героинь рассказывается в фильме «Свистать всех наверх».

— Посмотрите фрагмент и послушайте песню «Ты слышишь, море».

— Разучивание припева, исполнение под фонограмму.

Учитель: Море может быть тихим, безмятежным, спокойным. А может грозным и бушующем. (Показ слайдов с картинами моря)

Разные состояния моря нашли своё звуковое выражение и в музыкальных произведениях. И сейчас я предлагаю вам стать художниками и нарисовать море с помощью цветных карандашей таким, каким вы его услышите.

СЛ: Н. Римский-Корсаков «Океан море синее» вступление к опере «Садко».

Задание группам.

Выберите художника (+ помощника), которые будут рисовать: настроение моря, цвет, волнение, масштаб.

А остальные участники команды должны выразить музыкальную картину моря подходящими словами, чтобы описать его настроение. Художники используют цветовую гамму и линию волнения моря.

Остальные – музыкальную палитру и словарь музыкальных эмоций.

Опера начинается оркестровым вступлением, названным самим композитором «Окиан-море синее», рисующим спокойную, но грозную морскую стихию: ровно и бесстрастно катятся волны в необъятном морском просторе, глухой гул стоит над океанской ширью. И нигде из конца в конец не видно ни корабля, ни живого существа. Поразительно, как композитор создал столь захватывающую звуковую картину из мотива, состоящего всего из трех звуков. темная, серо-синеватая окраска.

— Объясните, почему вы нарисовали море таким. Какие слова подобрали слушатели?

Посмотрите на картины и подберите одно из них, подходящее к музыки.

— А почему вы не выбрали картина Николая Дубовского «Морской пейзаж»? Тишиной, спокойствием веет от этой картины. Море ещё неподвижно, но лёгкий ветерок уже играет парусами, надувает их и заставляет скользить по морской глади. Кричат чайки, носятся над безбрежной водяной гладью. Море шумит, накатываясь на берег. Художник постарался передать нам своё настроение, использовал не звуки, а краски

Перед вами картина И. Айвазовского «Среди волн». Я предлагаю окунуться в его морские воды и отправимся в загадочную подводную стихию. А поможет в этом.

Андрей Петров – известный мастер кинематографической музыки. Не одно поколение кинозрителей полюбило фильм «Человек-амфибия». Во многом своим успехом он обязан музыке, звучащей за кадром. А.Петров нашел сочные средства музыкальной выразительности для создания картины загадочной подводной жизни со всеми её яркими красками, плавными движениями морских обитателей. Резко контрастируют с морской идиллией мятежные наземные звучания.

Наша встреча с морем подошла к концу.

И чтобы привести всё в порядок я предлагаю сыграть в игру «Найди своего автора». (проводится игра)

Так что же такое музыкальная живопись?

Музыкальной живописью называют живопись, наполненную столь поэтическим чувством, что его трудно передать словами, можно только такой же поэтической мелодией.

Д/З. Получилась у нас встреча с МОРЕМ? А что бы узнать какое впечатление оно оставила я предлагаю нарисовать дома в тетради свою картину моря. А чтобы настроить вас на творчество я хочу закончить урок стихотворением «Я рисую море».

Источник

Музыкальная живопись и живописная музыка

Заслуженный работник культуры РФ, профессор кафедры специального фортепиано Тамбовского музыкально-педагогического института им. С. В. Рахманинова

e-mail: ancareva @yandex.ru

«Музыку нельзя назвать иначе, как сестрой живописи,

ибо она есть предмет слуха, второго чувства после зрения…

Но живопись превосходит музыку и повелевает ею,

потому что не умирает сразу же после своего

возникновения, как несчастная музыка».

Реформы в образовании, длящиеся уже несколько лет, постоянно требуют от нас поиска инновационных методов в учебном процессе. Но история развития художественного образования показывает, что есть такие вечные понятия как опыт поколений и преемственность. Именно благодаря им мы можем двигаться вперед. Тема синтеза различных видов искусств дает возможность в процессе соединения знаний в единый сплав сформировать единое видение мира, культуры.

Музыкальное искусство с глубокой древности было теснейшим образом связано с живописью. О синтезе (слиянии и взаимодействии) музыки и живописи, этих двух прекраснейших из искусств, говорилось из века в век. Обращение к истории развития мировой художественной культуры показывает, что существует органическая связь между этими видами искусств, которая еще на заре человечества проявляла себя в виде обрядовых и культовых действий, праздников и пиршественных представлений, народных зрелищ и карнавальных шествий. Живопись и музыку в их единстве постоянно сравнивали, анализировали, проводили параллели. Так, в индийской средневековой эстетике семи основным нотам соответствуют семь цветов — бледно-розовый цвет лепестков лотоса, оранжевый, золотой, цвет жасмина белый или черный, ярко-желтый, пестрый. В китайской системе пять тонов окрашиваются в желтый, белый, зеленый, красный и черный соответственно.

Первые изображения музицирующих людей пришли к нам из глубокой древности. В Египте на стенах храмов запечатлены целые музыкальные ансамбли – юноши и девушки, играющие на кифарах, лютнях, гобоях. В древней Греции певца Орфея всегда изображали с лирой в руках. В Средние века и в эпоху Возрождения на полотнах часто изображали поющих ангелов. А странствующие музыканты на картинах исполняли мелодии на волынках или виолах.

Во все времена существования человека музыканты, музыкальные инструменты были излюбленными темами в живописи. Античные вазы и барельефы с изображениями музыкантов, играющих на авлосах и кифарах, сменяются средневековыми фресками и иконами с музицирующими ангелами. В эпоху Возрождения художники изображают на своих полотнах даже целые концерты («Сельский концерт» Джорджоне). В Эрмитаже находится один из шедевров итальянской живописи начала XVII в. – «Лютнист» Караваджо.

Многие выдающиеся художники прошлого и настоящего писали портреты композиторов, певцов, исполнителей-инструменталистов, раскрывая их богатый внутренний мир, многогранность их личности. Таковы портреты Ф. Шопена (художник Э. Делакруа), М. П. Мусоргского, А. Г. Рубинштейна, А. П. Бородина (художник И. Е. Репин), Н. А. Римского-Корсакова (художник И. Е. Репин), Н. А. Римского-Корсакова (художник В. А. Серов), Ф. И. Шаляпина в роли Бориса Годунова (художник А. Я. Головин), С. С. Прокофьева (художник П. П. Кончаловский), пианиста К. Игумнова (художник П. Корин), певицы Е. Образцовой (художник И. Глазунов) и др.

Зрение и слух всегда взаимодействуют между собой в чувственном познании мира. Музыкальному искусству присущи определенные изобразительные свойства. Замечательный пример дают нам «Картинки с выставки» Мусоргского. В феврале 1874 года в Петербурге открылась посмертная выставка работ русского художника-архитектора Виктора Александровича Гартмана. Тут были самые разнообразные работы: картины, рисунки, эскизы театральных костюмов, архитектурные проекты, макеты, даже мастерски выполненные игрушки. Во всем чувствовался большой талант художника. Мусоргский поставил перед собой оригинальную задачу — выразить инструменталь­ными средствами содержание картин, рисунков и архитек­турных проектов Гартмана. Цикл состоит из десяти харак­терных пьес, объединенных связками-интермедиями. Неподвижные картины и макеты ожили в звуках. Музыка всех этих пьес настолько образна, что, слушая ее, мы почти зримо представляем работы художника.

Вспомним некоторые выражения, которые часто употребляются музыкантами: «музыкальная картина», «симфоническая картина», композитор рисует картину….». Как это созвучно с работой художников!

В свою очередь изобразительное искусство почти всегда вдохновляло музыкантов. Так, известный венгерский композитор Ференц Лист (также как и Роберт Шуман) говорил, что Рафаэль и Микеланджело помогали ему понять Моцарта и Бетховена. В своем сборнике «Годы странствий» Лист пишет пьесу, связанную с живописным полотном «Обручение».

Часто полотна художников носили печать театрализованного представления. При первом взгляде на картину Брюллова «Последний день Помпеи» приходит на память оперные декорации, роскошные костюмы, картинные жесты. Герои Врубеля словно сошли с оперной сцены – «Царевна-лебедь» звучит как продолжение оперы Римского-Корсакого «Сказка о царе Салтане».

Важным средством музыкальной «живописи» у композиторов является прием звукоподражания. Известны десятки пьес, рисующих лес («Шум леса» Листа, «Лесные сцены» Шумана). Ярко и выразительно звучат произведения с разного рода «водными» картинами («Ручеек» Грига, «На берегу ручья» Листа, «Океан – море синее» в опере «Садко» Римского-Корсакова). Звуки птиц изображены в пьесах Дакена «Кукушка», Грига «Птичка», «Вещие птицы» Шумана, «Печальные птицы» Равеля.

О музыкальной живописности всерьез стали думать живописцы-романтики. Они, сознательно используя особые живописные приемы, стремились, чтобы их картины были «напоены» музыкой. Одним из первых западных художников, кто стремился живописными средствами вызвать у зрителей ощущение звучания музыки, был английский романтик Джозеф Тернер. В своей картине «Музыкальная комната в Петворте» он создает полное ощущение звучащей картины. Не менее талантливо написана картина «Симфония в белом №1» Джеймса Уилстера (по аналогии с поэмой Теофилия Готье «Симфония в белом мажоре»).

В отношении звукоизобразительных аспектов невозможно переоценить ряд крупнейших мастеров пианизма XX века. Невозможно отрицать, что прелюдии и ноктюрны Фредерика Шопен, «Песни без слов» Феликса Мендельсона наполнены множеством пейзажей-состояний, в которых раскрытие внутреннего мира человека неотделимо от картин природы. Сами названия музыкальных произведений Ф. Листа, Р. Шумана и Э. Грига дают богатейшую пищу для размышлений. Назовем, к примеру, пьес из сборника Ф. Листа «Годы странствий» – «У родника», «На Валленштадтском озере», «Долина Обермана», «Кипарисы виллы д, Эсте».

Вершиной музыкальной картинности можно считать сочинения норвежского композитора Э. Грига: «Утро» – вступление к драме Ибсена «Пер Гюнт», пьесы «Бабочки», «Ручеек». А такие шедевры музыкального пейзажа, такие как «Летний вечер» и «Весной», непосредственно предвосхищают творчество французских импрессионистов.

Русское музыкальное искусство рубежа XIX-XX веков представляет собой одну из вершин музыкальной изобразительности. «Если вначале западная культура, как более сильная и высокая по уровню, влияла на русскую, то во второй половине XIX века русская музыка приобретает мировое значение и становится источником многих передовых новаторских тенденций в творчестве композиторов западноевропейских стран» [1, 35]. В интенсивно развивающемся отечественном музыкальном искусстве, которое получило мировое признание благодаря «своим новым, совершенно индивидуальным тенденциям» [2, 176] закрепился картинно-живописный тип программности. Поистине великими мастерами в этом жанре выступили «кучкисты» (композиторы музыкального творческого союза «Могучая кучка», в который входили М. А. Балакирев, М. П. Мусоргский, А. П. Бородин, Ц. А. Кюи, Н. А. Римский-Корсаков. Идейным вдохновителем и основным кружка был художественный критик, литератор и архивист В. В. Стасов).

Изысканные и разнообразные картины природы создают М. Балакиревым в своих романсах, Бородин в опере «Князь Игорь» и симфонической картине «В Средней Азии», Мусоргский в «Ночи на Лысой горе», во вступлении к опере «Хованщина» («Рассвет на Москве-реке»). Наибольшее впечатление производят неповторимые зарисовки Римского-Корсаковавв романсах «На Холмах Грузии», «Анчар», «Редеет облаков…»; симфонических шедеврах «Антар», «Шехеразада», а более всего в операх «Садко», «Снегурочка», «Сказка о царе Салтане».

Приблизительно в это же время на Западе набирает силу самобытное живописное течение «импрессионизм», ставший одной из самых ярких новаторских линий в сфере музыкальной изобразительности. Это течение ассоциируется с двумя великими именами в области музыки Морис Равель и Клод Дебюсси. Произведениям этих мастеров свойственна зримость, живописность, пространственность, размытость контуров и тонкость мазка («Паруса», «Туманы», «Вереск») – качества, характерные для пейзажей К. Моне, А. Сислея, В. ван Гога.

У Равеля во многом был общий круг интересов с Дебюсси. Он, как и его соотечественник, явился первооткрывателем, основоположником важнейших импрессионистических тенденций изобразительности в музыкальном искусстве. Это проявляется в таких его сочинениях, как «Игра воды», «Лодка среди океана», «Долина звонов».

Расцвет пейзажной лирики, которого достигла русская фортепианная музыка, несомненно связан с именем Сергея Рахманинова. В его опусах возникает целая галерея зимних, осенних и весенних пейзажей-состояний, в которых раскрывается внутренний мир человека неотделимо от картин природы. Это романс «Весенние воды», этюд-картина «Метель», «Маргаритки».

Ярким примером органичного синтеза живописи и музыки было творчество великого литовского и русского композитора и художника Микалюса Чюрлениса. Он хотел создать новый вид искусства – «зрелищную музыку», где органично сливались бы музыкальные формы и их изобразительный аналог. Особенно это проявляется в циклах картин-сонат, своей формой приближающихся к крупным музыкальным формам («Соната весны», «Соната звезд», «Соната моря», «Соната солнца»). А его «Фуга» построена по принципу музыкального контрапункта и даже визуально напоминает партитуру фуги. «Соната моря» – самая известная живописная сюита Чюрлениса. На протяжении всех 3-х частей цикла море предстает перед слушателями в самых разнообразных красках. От радостного приподнятого настроения Первой части, через покой с величавой мелодией в темпе Анданте во Второй к разыгравшейся стихии в заключении. Автор как бы говорит, что волею судеб он сам попал в этот грозный водоворот жизни. Но волна не уничтожит его имени. Его творения переживут века.

Рассмотрим в качестве примера первую из этого цикла работу — «Сонату солнца» (1907г.). Она состоит из четырех картин, названия которых — «Аллегро», «Анданте», «Скерцо», «Финал», — совершенно аналогичны строению классической музыкальной сонаты. Эти аналогии очень ярко прослеживаются и в принципе расположения самого живописного материала, в тональном и тематическом контрастировании. Например, в первой картине — «Аллегро» — присутствуют два образа: солнце (по аналогии с музыкой — главная партия) и замок (побочная партия). Они контрастны по цвету (желтый и синий), точно так же, как контрастны тонально две темы в музыке (главная партия — в основной, побочная — в доминантовой тональности). В картине ясно читаются (если смотреть снизу вверх), три части, подобно музыкальной форме сонатного аллегро — экспозиция, разработка и реприза. Причем разработка, точно так же, как и в музыке, в два раза больше репризы. Примечательно и колористическое сближение в репризе двух тем (как и в музыке, где обе темы обычно звучат уже в одной тональности). Темповый контраст нашел здесь эквивалентное воплощение живописными средствами. Неспешный ритм широких солнечных лучей четко ассоциируется с медленным темпом второй части музыкальных сонат. Особый интерес в этом цикле представляет четвертая часть — «Финал». В музыке венских классиков финал чаще всего имел форму рондо (круг). На картине изображен колокол, язык которого вкруговую опутан паутиной. На бордюре колокола, в подражание музыкальной репризе, выписаны в уменьшении основные образы трех предыдущих частей.

При исследовании истоков светомузыкального искусства принято ставить в один ряд имена «Скрябин-Чюрленис». Считается обычно при этом, что первый шаг к светомузыке «со стороны музыки сделал Александр Скрябин, а «со стороны живописи» Чюрленис. Причем особо подчеркивается, что зарождение и реализация замысла «световой симфонии» (у Скрябина) и «музыкальной живописи» (у Чюрлениса) произошло практически «синхронно» — в первом десятилетии ХХ века. Итак, и тот, и другой были выдающимися музыкантами, получившими мировое признание. Оба — разносторонне одарены. Чюрленис окончил помимо двух консерваторий (Варшавской и Лейпцигской), художественную школу в Варшаве. Им написано более 200 музыкальных произведений и многие десятки живописных полотен. Скрябин тоже был не только композитором и пианистом, но и автором философско-поэтических текстов к своим музыкальным произведениям. Необходимо отметить также, что его замысел нового синтетического искусства говорит в какой-то мере о потенциале светохудожника, хотя он и не успел на практике овладеть новым материалом. А.Скрябин стремился к синтезу искусств и объединил в своих сочинениях движения слов, красок, жестов, музыкальных звуков. Он создал образную систему цветного слуха:

C dur (F dur) – красный

H dur – бледно-синий

Dis dur – фиолетовый

B dur – с металлическим блеском

А. Скрябин придумал новый «инструмент», который должен был излучать особые световые волны, при чем задолго до создания современной световой аппаратуры. Мистерия так и не осуществилась. Жизнь Скрябина оборвалась внезапно.

Основные принципы эстетики музыки и живописи всегда были общими. Хорошая живопись, как и хорошая музыка, вызывает у нас чувства, которые владели авторами живописных и музыкальных сочинений, вызывали определенные настроения и эмоции. Достигается это выразительными средствами очень схожими, как для музыкальных произведений, так и для живописных полотен. Прежде всего, рисунком и цветом – певучестью и звучностью, гармонией линий, тонкостью работы над колористической палитрой. И, наконец, композицией, объединяющей все выразительные элементы в единое стройное и законченное «звучание».

Если у человека богатый духовный мир, если вся душа его населена возвышенными образами, если ему есть что сказать и он стремится к самовыражению, то такой человек не в состоянии ограничиться только одним способом выражения. Все эти виды искусства неразрывно связаны между собой, имеют общую природу, основываются на одних и тех же образах. Они имеют общие законы и правила, целью которых является гармоничная передача ощущений и образов, заставляющих задумываться об одних и тех же вещах, испытывать одну и ту же боль или восторг. Цель каждого истинного искусства – затрагивать наши мысли и чувства, делать нашу душу чище и возвышенней. К этому стремились мастера живописи и творцы великой музыки, к этому побуждала их неутолимая жажда самовыражения. Самовыражения в слове, в музыке, в цвете.

Литература

6 thoughts on “ Музыкальная живопись и живописная музыка ”

Полезная статья.Она мне очень помогла.Спасибо большое.

Источник

Музыка. 5 класс

Конспект урока

Музыкальная живопись и живописная музыка

Перечень вопросов, рассматриваемых по теме:

— знакомство с понятиями музыкальной живописи и живописной музыки;

— анализ живописной музыки разных эпох;

— формирование представления о взаимовлиянии различных видов искусства.

Мотив – 1). Простейшая ритмическая единица мелодии, состоящая из нескольких звуков с одним логическим акцентом. 2). Напев, мелодия.

Пейзаж – жанр и произведение изобразительного искусства, изображающий виды природы или описание природы в литературном произведении.

Квинтет – музыкальное произведение для пяти инструментов или для пяти голосов.

Вариации – музыкальное произведение, основанное на видоизменении и разработке главной темы.

1. Сергеева Г. П. Музыка. 5 класс. Учебник для общеобразоват. организаций // Г. П. Сергеева, Е. Д. Критская – 10-е изд., перераб. – М.: Просвещение, 2019. – 159 с. – ISBN 978-5-09-071651-2.

Открытые электронные ресурсы:

Теоретический материал для самостоятельного изучения

Художник Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов оставил в своём дневнике такую запись: «Я сижу дома и задаю концерты себе одному. В них вместо звуков все краски. Я импровизирую. Мечты мои всегда впереди. Они мне создают целые симфонии. Мои помыслы – краски, мои краски – напевы. «

Даже для названий своих картин он использовал музыкальные термины: мотив, гармония, песнь.

У слова «мотив» есть несколько значений. Это и простейшая ритмическая единица мелодии, состоящая из нескольких звуков с одним логическим акцентом, и просто напев или мелодия.

Картины Борисова-Мусатова передают ощущение покоя и тишины, уравновешенности и спокойствия. При этом, кажется, что они не статичны, как живопись, а имеют какое-то движение, наполненность, свойственные музыке.

Обратимся к пейзажу, созданному поэтом Константином Бальмонтом и композитором Сергеем Рахманиновым.

Спокойствия и умиротворения полно их общее творение – романс «Островок». К нему можно применить термин: «музыкальный пейзаж», «музыкальная живопись». Благодаря музыке, мы живо представляем и зелёные уклоны островка, и венок густых трав, цветы, плеск волн и ветерок.

Пейзажем называют жанр и произведение изобразительного искусства, изображающий виды природы или описание природы в литературном произведении.

Ещё один романс Рахманинова «Вешние воды» на стихи Фёдора Тютчева рисует нам совсем другую картину: торжественную, праздничную, взволнованную, динамичную.

«Островок» и «Вешние воды» два совершенно разных пейзажа созданных одним и тем же композитором. Рахманинов выбрал различные средства выразительности, что больше всего заметно в аккомпанементе.

В «Островке» мы слышим ровное и плавное движение вокальной партии и скупое фортепианное сопровождение.

В романсе «Вешние воды» аккомпанемент, наоборот, очень активный: пассажи с призывными интонациями.

Не только вокальная музыка Сергея Рахманинова живописна. Передать картинные образы ему удаётся и в инструментальной музыке. Пример –прелюдия соль-диез минор. К этой музыке как нельзя лучше подходят пушкинские строки:

По дороге зимней, скучной

Тройка борзая бежит,

Что-то слышится родное

В долгих песнях ямщика:

То разгулье удалое,

То сердечная тоска.

В музыке мы слышим имитацию колокольного звучание, и будто видим русские зимние просторы и приближающуюся тройку лошадей.

Также большое значение аккомпанементу в вокальной музыке придавал Франц Шуберт.

Музыка этого композитора-романтика очень изобразительна.

Хорошо известна его баллада «Лесной царь», где он с помощью аккомпанемента имитировал цокот лошадиных копыт. А в песне «Шарманка» изобразил заунывное звучание этого инструмента.

Благодаря Шуберту песня перестала быть несерьёзным жанром и приобрела значительное место в музыке, наряду с симфонией или сонатой.

Одна из самых известных песен Шуберта «Форель». Она стала настолько популярной, что композитор впоследствии сочинил квинтет, который стал называться «Фореллен-квинтет».

Квинтет – это музыкальное произведение для пяти инструментов или для пяти голосов.

В квинтете финальная часть представляет собой вариации на тему песни. Состав квинта: фортепиано и струнные инструменты: скрипка, альт, виолончель и контрабас.

Вариации – это музыкальное произведение, основанное на видоизменении и разработке главной темы.

Как мы видим на примере творчества художника Борисова-Мусатова, и композиторов Сергея Рахманинова и Франца Шуберта, живопись бывает очень музыкальной, а музыка живописной. Статичные картины приобретают, благодаря средствам выразительности, движение присущее музыке, поэтическое настроение, музыкальный характер. В то же самое время и музыка живописует пейзажи и портреты с помощью средств музыкальной выразительности.

Искусство редко существует в чистом виде. Одни из них сплетаются в клубок в синтетических видах искусства: театре или кинематографе. Другие взаимно проникают друг в друга. Музыканты и художники пользуются одинаковой терминологией. И к музыке, и к живописи применяются понятия композиции, ритмического рисунка, линии. В музыке говорят – звуковая палитра; в живописи – цветовая гамма.

Художников вдохновляет музыка, а композиторы сочиняют, посетив выставку или познакомившись с архитектурной достопримечательностью.

Современные технологии позволяют совместить произведения мировых художников с музыкальными произведениями. Так рождаются уникальные мультимедийные выставки известных художников.

Самым известным примером влияния живописи на композитора – является цикл фортепианных пьес «Картинки с выставки» Модеста Петровича Мусоргского. Этот цикл был написан в память о друге, художнике Викторе Гартмане. Можно сказать, что Мусоргский «озвучил» то, что видел на выставке. Всего в цикле 10 пьес. Это лишь малая часть из представленных на посмертной выставке работ художника.

Примеры заданий из Тренировочного модуля

№1. Подчеркните романсы С. Рахманинова:

Варианты ответов:«Вешние воды; «Жаворонок»; «Островок»; «Очи чёрные»

На уроке были продемонстрированы фрагменты романсов С. Рахманинова «Вешние воды» и «Островок», противопоставлялись эти два разных по характеру произведения. Романс «Жаворонок» написал М. И. Глинка, романс «Очи чёрные» написал Ф. Германом и А. Феррарис, творчество которых на уроке не проходили.

№2. Какое произведение С. Рахманинова создаёт образ русских зимних просторов и мчащейся тройки лошадей?

Варианты ответа: романс «Островок»; романс «Вешние воды»; прелюдия соль-диез минор.

Подсказка для учащихся заключается в говорящих названиях романсов. В одном из них рассказывается о небольшом острове («Островок»), во втором о весне («Вешние воды»). Музыка прелюдии соль-диез минор подробно разбиралась на уроке. Она действительно, с помощью средств музыкальной выразительности, рисует образ русских зимних просторов и мчащейся тройки лошадей.

Источник