Что общего у классики и рока
Классические произведения-это произведения, проверенные временем, вошедшие в копилку музыкальной культуры народов, любимые всеми и общепризнанные. Бетховен, Моцарт, Вивальди, Бах. Сколько замечательных произведений они создали, которые стали музыкальной классикой. Роковые произведения- это другой жанр исполнения, а именно эстрадными исполнителями и на электромузыкальных инструментах. Со временем произведения, понравившиеся публике и горячо ею любимые, также становятся классикой рока. Не секрет, что современные исполнители также исполняют классические произведения композиторов 17 и 18 веков, но уже в других жанрах- рок, поп и тому подобное. Общее у всех одно. Это произведения высочайшего музыкального качества, которые не подвластны времени. Публика будет любить их вечно.Они стали частью мировой музыкальной культуры.Теперь про взаимосвязь. Любой музыкант и композитор, прежде чем написать выдающееся произведение, имеет хорошую базу, основанную на музыкальной культуре прошлого. Музыканты всю жизнь развиваются и совершенствуют свои профессиональные навыки также, как и представители других профессий. На пустом месте ничего не вырастает. Нужна база. А если в человеке заложен и талант, да еще плюс его работоспособность, то могут получиться великолепные новые музыкальные произведения любого жанра, которые получат оценку и признание общества. Спасибо!
Затрудняюсь ответить о единых корнях этих двух жанров и на первый взгляд они слишком разные. Но на протяжении своего существования они пересекаются очень часто.
Одним из первых в современной музыке сделал попытку объединить рок и классику Фрэдди Меркьюри. Любивший оперу, но работавший в стиле рок, он всю жизнь пытался их объединить. Об этом свидетельствует создание «Богемской рапсодии» и «Барселоны».
Многие рок-музыканты используют классическую музыку для исполнения в рок-обработке.
Часто наши российские исполнители, такие как Чичерина, Сурганова, Арбенина, Би-2 выступают с симфоническим оркестром, придавая своим песням более серьезное звучание. А Валерий Кипелов вообще спел арию Надира из оперы «Ловцы жемчуга» Бизе.
bgershman
bgershmanЖурнал о классической музыке
В своем известном эссе «Listen to This» Алекс Росс пишет о том, как он, выросший исключительно на классике, пришел к пониманию и симпатии к музыке неакадемической. В результате в одноименной книге Росса главы о Моцарте и Брамсе чередуются с очерками о Radiohead, Björk и Бобе Дилане. А написать я хотел о том, что пройти этот путь задом наперед, на мой взгляд, и логичнее и проще, если следовать траектории развития рок-музыки, от популярных песенок Битлз, Стоунз и их менее именитых современников к гораздо более любопытным альбомам британских арт-рокеров и их последователей.
В непростых взаимоотношениях классики и рока можно выделить несколько направлений. Самое бесперспективное из них – это записи композиций Металлики, Deep Purple, Jethro Tull и прочих с симфоническим оркестром. Ни один из подобных экспериментов, к сожалению, не удался. Второе направление, более симпатичное, – в обратную сторону, то есть исполнение рок-каверов классических произведений. Я вернусь к ним чуть ниже. Наконец, самое плодотворное направление – это заимствование академических элементов в рок-музыке.
Порой мне кажется, что собственно расцвет рок-музыки произошел благодаря подобным заимствованиям, и я не имею в виду прямую кражу мотивов. Самое главное, что инспирировано классикой – поиск разнообразия, креативность. Некоторые последствия этого поиска:
1) Удлинение композиций. Две, три или четыре минуты не позволяют развернуться, тем более когда слушатели хотят всего лишь «Can’t buy me love» или «Satisfaction». Первое, что рискнули предположить прогрессивные рокеры – что их слушатели могут расширить свой attention span, если будут за это вознаграждены вкусненьким. Концептуальные альбомы Jethro Tull и раннего Genesis, рок-оперы The Who и Dream Theater по форме ближе к академической музыке, нежели поп-року 1960-х или 1990-х.
2) Усложнение содержания и стиля. Если удлинять композицию, то использовать это по полной: написать интересное либретто, строить музыкальный материал на чем-то большем, чем один гитарный рифф или простенькая мелодия. Живые концерты приобретают элементы театра: д остаточно взглянуть на костюмы Яна Андерсона и Питера Гэбри э ла в их лучшие времена.
3) Увеличение спектра инструментов. Флейта, скрипка, фортепиано, всевозможные синтезаторы, знаменитая электрогитара со смычком Джимми Пейджа – неполный список технологических обновлений стандартного рок-квартета в поисках нового звука. А в альбоме можно подышать, дав место осмысленному инструменталу, слова необязательны.
4) Рост профессионализма в рок-музыке. Усложнение языка с уровня трех аккордов потребовало совершенствования техники игры. Нынешние ведущие рок-музыканты – суперпрофессионалы с образованием, в своем инструменте не уступающие академическим музыкантам.
Многие рокеры-новаторы прибегали к прямым заимствованиям из классики и строили композиции на их базе. Так что пропасти между роком и классикой нет. Более того, благодаря отважным британцам из 1970-х, хиппи всего мира приобщились к вечному. Несколько примеров, чтобы не быть голословным.
Emerson, Lake & Palmer: Knife Edge. Вся композиция держится на мотиве из Симфониетты Яначека (с начинкой-сюрпризом из баховской 1-ой французской сюиты).
Те же ELP знамениты своей аранжировкой «Картинок с выставки». Один мой приятель всерьез заинтересовался Мусоргским именно благодаря экспериментам ELP. На и х счету также подобные трюки с Бартоком, Коплендом и другими.
Jethro Tull: Bourree. Бах популярен, само собой. Вот Андерсон со своей версией Bourree из ми-минорной лютневой сюиты.
Стив Хэкетт из Genesis записал «Horizons» (которую я даже играл в прошлой жизни) для альбома Foxtrot. Начинается так же, как 1-ая виолончельная сюита Баха.
Yes: Cans and Brahms. Просто запала ребятам Четвертая старика Брамса
King Crimson: The Devil’s Triangle. Их версия «Марса» из «Планет» Холста.
Кто-то может считать кощунством кавер «В пещере горного короля» для трех электровиолончелей (кстати, выпускников Академии им. Сибелиуса в Хельсинки) с ударными, а я считаю, что это отлично и достойно премии за вклад в поддержании на плаву академической музыки и привлечение молодежи к прекрасному. Whatever works!
К сожалению, консерваторы в академии оказались менее восприимчивы к лучшему в рок-музыке. На мой взгляд (а может, я просто не в курсе), тема использования выразительных электрических инструментов в оркестре остается нераскрытой, несмотря на несколько удачных попыток, как, например, прекрасный концерт Адамса для электроскрипки «The Dharma at Big Sur».
Как начать слушать рок-музыку и полюбить ее. Часть V
В середине 50-х годов звезда рок-н-ролла Чак Берри наделал много шума, выпустив песню Roll Over Beethoven («Хватит крутить Бетховена»). Менее, чем через десять лет, ее перепели The Beatles. Казалось, что новый жанр и его яркие амбициозные звезды действительно похоронят всю классическую музыку вместе с Бетховеном. Но сами же “битлы” и пошли против рок-н-ролльного призыва. Сперва в финальной части песни All You Need Is Love (1967 год) они оригинально процитировали отрывок из двухголосой инвенции фа-мажор No. 8 Иоганна Себастьяна Баха. А потом в 1969 году появилась песня Because, мелодия которой оказалась очень похожей на первую часть “Лунной сонаты” Людвига ван Бетховена.
В одном из интервью Джон Леннон заявил: «А это она и есть, только сыгранная наоборот».
Бах и Бетховен для рокеров стали культовыми персонажами и практически каждый второй музыкант, который брался или берется за аранжировку классики, играет произведения этих композиторов. Причем, чаще всего это именно те произведения, которые эмоционально холодны и помпезны.
Beethoven’s 5th Symphony, Yngwie Malmsteen
Русский след в мировом роке
Но потом стали появляться целые альбомы, которые были посвящены авторской переработке и переосмыслению классической музыки. Кроме этого, у Баха и Бетховена появились конкуренты среди русских композиторов. В разные годы корифеи рока признавались в любви к Стравинскому, Рахманинову, Мусоргский, Римскому-Корсакову и Скрябину.
И Мусоргский стал первым классическим композитором, по произведениям которого рокерами был написан целый альбом. Это сделала в 1971 году группа Emerson, Lake & Palmer, которая выпустила альбом Pictures at an Exhibition (“Картинки с выставки”) и это была самая заметная работа в их истории.
Обида гитаристов на классиков
Именно рок-гитаристы чаще других музыкантов берутся за исполнение классических произведений. Дело в том, что в филармониях, оперных театрах и других залах, где принято играть классику, очень редко можно услышать гитару. Долгое время композиторы к ней не относились всерьез, считая гитару инструментом уличных музыкантов. Поэтому и произведений для гитары с оркестром крайне мало. Большинство из них появилось уже в ХХ веке, когда в моду стали входить композиторы из Латинской Америки и Испании. Например, автор Аранхуэсского концерта испанец Хоакин Родриго. Но одним из первых, кто стал писать классические произведения для гитары, был Паганини. Он хорошо владел не только скрипкой, но и гитарой.
Именно из-за дефицита гитарных произведений музыканты, которые хотели выйти за рамки рокового жанра, начали играть классику – записывать альбомы и выступать в колонных залах в сопровождении оркестров. Одним из заметных музыкантов, сплетающих тяжелый рок и классику, оказался шведский гитарист Ингви Мальмстин. В 1998 году он выпустил альбом своих авторских произведений Concerto Suite for Electric Guitar and Orchestra in Eb minor, Op. 1., который записал с Чешским филармоническим оркестром. Мальмстин стремился подчеркнуть, что в отличие от других совместных работ рок-музыкантов и классических оркестров (таких как Концерт для группы и оркестра Deep Purple), в которых рок-группа играет под оркестровое сопровождение, это оркестровая музыка, в которой есть электрогитара, его сольный инструмент. Он признал, что во многих пьесах ему пришлось перезаписывать свои гитарные соло, чтобы сделать их “подходящими”. С тех пор все произведение исполнялось вживую в Японии с Новой японской филармонией.
Как встретились классика и рок
Взаимоотношения рок-музыки и академических жанров – тема старая и естественная. Хотя эти эстетические и социальные вселенные, казалось бы, легко могли бы обойтись друг без друга, но их тянет одну к другой, словно они пытаются заглянуть в лицо к дальнему родственнику и найти знакомые, пусть и искаженные черты – понять, улыбнуться и отойти, или позвать с собой, поделиться какой-то неизведанной радостью. Но чтобы объединиться, нужно, как писали умные люди, сначала разъединиться. Вспомним важнейшие группы жанра времен его расцвета – 70-х годов прошлого века и попробуем понять их связи с классической музыкой.
Led Zeppelin – вечная лестница в небо
Они не такие, как все. Led Zeppelin, кажется, родились серьезными, и даже хулиганства у них получались эпохальными, и теперь, состарившись, они отлично смотрятся в ложах и на приемах, получают удовольствие от призов. От них прямо-таки исходит ощущение, что вот да! – именно они это заслужили. И это не ложное ощущение.
Британские парни оказались обладателями нестандартных музыкальных талантов, внутренней свободы, стремления к постоянному поиску. Команда стала уникальным средоточием энергетик, музыкальных вселенных – слово «синергия» тут уместно более чем где бы то ни было. Они сразу, на первой же репетиции, взяв первый аккорд, сами почувствовали чудо, «словно пользовались одной колодой карт», как говорит вокалист Роберт Плант. И удивительно для жанра – не стали продолжать путь после смерти вроде бы формально заменимого участника – барабанщика Джона Бонэма. А на тот момент казалось, что группа в одном шаге от открытия, которое могло «спасти всех». Никогда больше в истории жанра не было такого ощущения. И у «Цеппелинов» не было попыток войти в реку, ушедшую у них из-под ног много лет назад. Они играли вместе, но не спекулировали прошлым.
То, что они делали, никогда нельзя было назвать примитивным. Гитарист Джимми Пейдж, творческий мотор группы, всерьез увлечен оккультизмом, и судьба группы вполне может послужить сюжетом мистического фильма. Они сами снимали такое кино и жили, как герои оперы будущего: Пейдж играл смычком на гитаре, Плант был погружен в эстетику Толкина. Они лучше всех коллег играли блюз, не раз вспоминали английский фольклор, а на альбоме «No Quarter: Jimmy Page and Robert Plant Unledded» (1994) обратились к североафриканскому фолку. Ближе всех к академической музыке басист Джон Пол Джонс, который учился в музыкальном Крайст-колледже и признавался в любви к фортепианным концертам Сергея Рахманинова. Все эти краски оказывались в палитре группы на своем месте. Им не нужен был оркестр, они и сами чувствовали себя оркестром и даже, в какой-то мере, космосом.
Естественными оказались поиски сравнительно сложной формы – эпохальные вещи группы «Stairway to Heaven», «Kashmir», «Achilles Last Stand» – зачастую многочастны и виртуозны, желающий найдет в них набор символов и драматургию, это «работает» вплоть до недавнего сольного альбома Роберта Планта «Carry Fire». Про их самую известную вещь – «Stairway to Heaven», которую даже запрещали играть в магазинах гитар, потому что ее без конца все повторяли, можно говорить особо. Залезть же на небо пытались герои сказок и преданий во всех краях и частях света. Это очевидная и естественная человеческая фантазия. И Led Zeppelin это удалось – хотя бы в пределах своей вселенной.
Джон Лорд
Deep Purple – успешное сидение на всех стульях
Deep Purple – откровенные энтертейнеры, эдакие вечные бродячие артисты, рок-менестрели. Эти англичане кажутся самыми прямолинейными из великих групп жанра. У них что на уме, то и в нотах, их музыка не пугает, не усложняет жизнь, не закручена в концепции. И у них самая близкая к академической музыке организация композиций – они образованные музыканты, открытые разным мирам и эстетикам, им в творчестве не нужна чертовщина.
Deep Purple появились в годы, когда поколение рок-музыкантов выросло из коротких штанишек рок-н-ролла и пыталось усадить аудиторию в кресла концертных залов. Переходы в неродственные жанры воспринимались с умным видом, с пониманием. В первую очередь вспоминается, как вокалист Ян Гиллан исполнил партию Иисуса в первой канонической студийной записи эпохальной рок-оперы Эндрю Ллойда Уэббера и Тима Райса «Иисус Христос – суперзвезда». Рядом стоят опыты виртуозного гитариста Ричи Блэкмора – он играл на электрогитаре смычком, а уйдя из группы, вместе с женой Кэндис Найт создал группу Blackmore’s Night, в которой играет музыку а ля барокко и, щеголяя в кружевных жабо, перебирает струны лютни в старинных замках, переделанных под концертные эстрады. Он приезжал к нам со своей другой группой – Rainbow, но там уже не до игр в академичность.
Главным же по части классики в Deep Purple был клавишник Джон Лорд, и правда серьезный музыкант, любивший Баха и джазового органиста Джимми Смита. Вершиной творчества Лорда в Deep Purple стал альбом «Concerto for Group and Orchestra» (1969). К делу тогда подошли основательно – произведение вышло оригинальным и взрослым, не всегда дотягивало до академичности, но стремилось быть таковым. Это действительно концерт для оркестра, с музыкальным развитием, драматургией, конфликтом – аспектами, до сих пор не доступными большинству рокеров, которые тянутся за внешними эффектами, добавляя в рок-аранжировки незамысловатые, но торжественные струнные. «Концерт» же был с Лордом всегда, много раз исполнялся, а в 2012-м, незадолго до смерти автора, был успешно перезаписан с участием более современных звезд жанра – Брюсом Дикинсоном, Джо Бонамассой, Стивом Морсом.
Кроме того, имидж Лорда определяли и помогали меломанам привыкать к классике альбомы «Gemini Suite» (1971) и «Sarabande» (1976), где названия частей наследовали академическим – тут были и «Aria», и «Gigue», и «Bourée», и «Pavana». Лорд и потом немало работал в этом направлении.
Сравнение этих групп навязчиво преследует рок-фэна наряду с другими подобными непримиримыми дихотомиями, главной из которых в жанре остается выбор – Beatles или Rolling Stones. Они во многом противоположны, если Deep Purple, благодаря попаданию в нерв эпохи, оказывались чуть ли не «русской народной» группой, то Led Zeppelin упорно и последовательно были серьезны. У них не может быть песни-шутки, кажется, даже хулиганили в отелях они вполне концептуально. Но ни те, ни другие никак не декларировали, не осмысливали эти нюансы, они просто ловили ветер времени, и это получалось у них лучше всех. Deep Purple словно легко и играючи, а Led Zeppelin концептуально и напряженно, но – создавали «классику», звук своей эпохи.
Роковые классики… и классические рокеры
Могут ли музыканты во фраках понять людей в кожаных брюках и сыграть с ними концерт?
Как известно, постоянные споры между поклонниками классической и популярной музыки до сих пор не привели ни к каким ощутимым результатам. Более того, и в том, и в другом «лагере» знатоки и простые поклонники разделяются на тех, кто признает и категорически отрицает, что в серьезной музыке могут звучать несерьезные композиции, и наоборот. Поэтому в этом обзоре мы попытаемся просто показать, как «несерьезный» жанр рок-музыки пытался объединить свое звучание со звучанием классических инструментов, и что из этого получилось.
Одним из первых рок-музыкантов, решившим объединить гитарные риффы и мелодические ходы хард-рока со звуком симфонического оркестра, был Джон Лорд, клавишник группы Deep Purple. Основной мотивацией для него (в отличие от многих последователей) послужило классическое музыкальное образование, следы которого мы слышим во всем творчестве композитора. Джон Лорд попытался, помимо сплавления классики и рока, создать свое собственное классическое произведение. Поэтому в списке композиций этого концерта сначала идет абсолютно классическая Симфония № 6 авторства Малкольма Арнольда, потом три песни Deep Purple, и далее – собственно, сам «Концерт для группы и оркестра», состоящий из трех композиций Лорда, выполненных именно в классическом ключе, но при поддержке рок-инструментов (гитара, бас-гитара, клавишные и барабаны). Запись состоялась в сентябре 1969 года при участии Королевского филармонического оркестра под управлением Малкольма Арнольда и впоследствии была выпущена на виниле.
Отбрасывая в сторону мысли о «нужности или ненужности» такого сочетания, хочется сказать, что этот концерт был прорывным для своего времени. И потому, что в Англии еще сохранялись довольно консервативные взгляды на волосатых рок-музыкантов, и потому, что сами волосатые рок-музыканты еще с большой настороженностью относились к таким экспериментам. На видеозаписи 1969 года очень четко видны лица музыкантов оркестра, переглядывающихся во время исполнения композиций. Многие из них уже в почтенном возрасте, и на их лицах буквально читается «Ну и ну! Зачем мы на это согласились?!». В то же время на лицах «волосатой» части оркестра читается и серьезное отношение (Ричи Блэкмор с непроницаемым лицом), и само собой дерзкий задор «Мама, мы играем с классическим оркестром. » (взгляните на Иэна Пэйса, барабанщика Deep Purple, который выдал несколько огненных соло-проходов).
С точки зрения собственно музыки, это, конечно же, еще не полноценный рок-концерт «с участием симфонического оркестра». Все-таки тут больше классики, чем рока. Несмотря на это, публика приветствует всех музыкантов с почтением и явным интересом, а некоторые фанаты даже вывешивают самодельные постеры с приветствием Джона Лорда. Я бы назвал этот концерт «пробным шаром» в попытке привить фанатам рок-музыки интерес к классике.
Тем не менее Джон Лорд открыл дверь в мир классики для других рок-музыкантов (подобно тому, как как декабристы разбудили Герцена), и те из них, кто понял и признал возможность таких сочетаний, не преминули этим воспользоваться.
И Procol Harum в Эдмонтоне (1972), и Рик Уэйкмэн в своей рок-опере «Путешествие к центру Земли» (1974), и Роджер Уотерс (ex-Pink Floyd) в Берлине во время исполнения классического альбома The Wall (1990) приглашали симфонические оркестры для обрамления уже исключительно своих композиций в более серьезном, пафосном ключе. Но если у Procol Harum и особенно у Уэйкмэна мы слышим все же больше классики, чем рока, то у Уотерса в 1990-м симфонический оркестр – это уже просто красивая классическая оправа для рок-нетленок.
Джеймс Хетфилд (Metallica) и Симфонический оркестр Сан-Франциско
Нельзя не упомянуть и Metallica, сыгравшую уже два концерта с Симфоническим оркестром Сан-Франциско (1999 и 2019), где все партии оркестра были написаны непосредственно под песни самой рок-группы. Как бы мы ни относились к классике, нужно признать, что оба концерта прозвучали на высоком уровне, и даже по лицам музыкантов Оркестра Сан-Франциско было видно, что такое сочетание не вызывает у них отторжения (см. «Американская Сюита» в № 10/2020).
Плодами творчества Майкла Кэймена и Metallica не преминули воспользоваться и другие гранды мировой рок-сцены – группа Scorpions. В 2000 году вышел их концертный альбом Moment of Glory, записанный с Берлинским филармоническим оркестром. И на нем стоит заострить внимание хотя бы потому, что в этом случае сочетание симфонического аккомпанемента и самих рок-композиций, на мой взгляд, носит абсолютно гармоничный характер. Во-первых, гармоническая составляющая песен Scorpions очень хорошо ложится на звучание классических инструментов. Во-вторых, весь звук концерта построен на полной гармонии между классическими и рок-инструментами. Что называется, они не «забивают» друг друга, и все звучит как вполне гармоничное переплетение жанров. Безусловным прорывом данного альбома стала увертюра, весьма гармонично переходящая в один из главных хитов Scorpions – Hurricane. Что уж говорить про «самую главную рок-песню о любви» – Still Loving You, которая от вступления до коды сопровождается совершенно волшебными соло скрипок и общим гармоническим аккомпанементом струнных и духовой группы! Это могло растопить самое жесткое сердце самого застарелого рокера.
Одним из ярчайших представителей данного направления стала норвежская группа Dimmu Borgir, чей стиль даже официально называется «симфо-блэк-метал». И это неудивительно, ибо пафос симфонического звучания весьма легко накладывается на простые мелодические ходы данного жанра. В 2012 году на международном фестивале тяжелой музыки Wacken группа Dimmu Borgir сыграла полноценный сет с симфоническим оркестром, еще и в сопровождении большого хора. Запись концерта доступна на просторах интернета, и любой желающий почувствовать, как симфоническая музыка и хоровое пение вписываются (или не вписываются) в общую концепцию «блэк-метал», может проверить это собственными ушами.
На мой взгляд, несмотря на количество музыкантов в оркестре и еще большее количество хористов, классика здесь звучит лишь как декоративное обрамление и усиливающий общее мрачное напряжение фактор. Общий «музыкальный примитивизм» жанра не несет большой мелодической нагрузки, все направлено на создание больше имиджево-визуального эффекта, а не на пробуждение эмоций от самой музыки. Даже когда звучит композиция Fear and Wonder, исполняемая только оркестром и хором, не покидает ощущение того, что смотришь просто вступление к фильму ужасов.
Не стоит забывать и о наших рок-музыкантах. С середины 1980-х и по сей день многие рок-музыканты ставили эксперименты по смешиванию музыки собственного сочинения с классической музыкой. Также были и попытки делать «каверы» на классические произведения, и приглашения классических музыкантов в состав собственно рок-групп. От «Аквариума» до «Короля и Шута» мы слышим звуки скрипок, арфы, духовых инструментов. А в 2001 году группа «Ария» решилась в первый раз в своей истории сыграть концерт собственных песен в сопровождении симфонического оркестра. Началось все с того, что в 2000 году группа записала сингл на песню «Потерянный рай» с Президентским оркестром РФ. А на следующий год «Арию» пригласили сыграть полный концерт на фестивале «Нашествие». После долгих поисков и размышлений, Валерий Кипелов и Ко приглашают к сотрудничеству оркестр «Глобалис», который под руководством дирижера Константина Кримца (1939–2008) уже снискал славу особенного коллектива, что подтверждается цитатой с их официального сайта: «Отличительной чертой оркестра является способность в зависимости от музыкальных задач находить новые формы взаимодействия с музыкальным материалом – как современности, так и классики».
Выбор «Арии» оказался весьма удачным, и концерт повторили, даже в более расширенном варианте с акустическим отделением, в «Зеленом театре» Парка Горького в Москве 1 июня 2002 года, причем канал Муз-ТВ вел прямую трансляцию.
Что касается общего музыкального впечатления, мне этот концерт очень напомнил уже упоминавшийся здесь концерт Scorpions: общее настроение композиций «Арии», их мелодика в сочетании с тяжелыми гитарными риффами, вокальный талант Валерия Александровича Кипелова, тексты песен – все это гармонично сочетается со звучанием оркестра. А уж тот задор, с которым за дирижерским пультом стоял и двигался Константин Кримец (подозреваю, с большим удовольствием рискнувший навлечь на себя гнев классического сообщества), только добавил живой, непосредственной энергии в это сочетание серьезного с несерьезным.
Этот успех «Ария» повторила еще несколько раз и даже приурочила полноценный тур по России «Классическая Ария» к своему тридцатилетию в 2015 году.
Совершенно невозможно пройти мимо и не упомянуть дорогих каждому российскому любителю тяжелой музыки финских Nightwish – ансамбля с насыщенной историей, который сразу же был поименован не иначе как «симфо-метал-группа». Само собой, с элементами прогрессив или пауэр-метала. Ни для кого не секрет, что именно в Скандинавии все стили тяжелой музыки приобрели самый причудливый характер. А уж в Финляндии, знаменитой своим сказочно-романтическим фольклором, сам Господь распорядился так, чтобы фэнтезийно-приключенческие мотивы гармонично вплелись в суровые северные мелодии и ритмы. Конечно же, тяжелые гитары и рок-биты были принесены извне, но они упали на самую благодатную почву. Так что появление на свет одной из самых «продвинутых в классику», самобытных и ни на кого не похожих групп стало вполне закономерным явлением. Основатель группы, Туомас Холопайнен, неоднократно заявлял, что идея создания такого коллектива пришла к нему во время похода в лес с друзьями и ночных посиделок у костра.
Тарья Турунен перестала быть вокалисткой Nightwish в 2005 году. В настоящее время она занимается сольными проектами и периодически выступает с концертами в России
Тарья Турунен, первая вокалистка Nightwish, стала настоящей визитной карточкой коллектива благодаря своим вокальным данным. Ее природное сопрано (а если прибегать к классическим определениям, – лирическое сопрано) после нескольких лет практики было разработано до трех октав, что позволило ей петь в тесситуре меццо-сопрано и использовать колоратурные элементы.
Само собой, многие критики из мира классической музыки неоднократно заявляли: оперный голос не подходит для тяжелой музыки! С другой стороны баррикад многие фанаты и критики из мира тяжелой музыки постоянно декларировали: Тарья – жемчужина и находка для хеви-метала.
Несмотря на то, что для создания симфонического аккомпанемента почти всех своих композиций Nightwish в основном использует синтезаторы, сэмплеры и прочие достижения современной музыкальной индустрии, в 2004 году группа впервые в своей карьере встретилась с Лондонским сессионным оркестром (ранее записавшим все звуковые дорожки к фильму «Властелин колец»). Результатом сотрудничества стал альбом Once. Несмотря на дальнейшие перипетии в истории группы, которые привели к двум заменам вокалисток, именно вокал Тарьи Турунен, ее харизма позволили Nightwish выйти на мировой уровень и получить признание как среди поклонников хеви-метала, так и в стане любителей классики.
Есть и еще очень много примеров сотрудничества рок-групп с классическими музыкантами. Они носили как концертный, так и студийный характер. Исполнялись и записывались (увы, не всегда) и отдельные песни, и целые альбомы. Оркестровки использовались как для легкого обрамления основной музыкальной темы, так и в качестве полноценного аккомпанемента.
Одно можно сказать с уверенностью: отношения рок-музыкантов, решившихся на такое сотрудничество, и музыкантов и дирижеров, участвующих с классической стороны, всегда были уважительным и деликатными. Можно не принимать и не понимать плоды такого сотрудничества, но, как говорил Маяковский «Ведь если звезды зажигают – значит, это кому-нибудь нужно!».